Diseños de iluminación

                                                                    Se apagan las luces de la sala y empieza lo bello.......

 

EN BUSCA DE LA NAVIDAD de  Fekat Circus 

Fekat Circus, un circo etíope lleno de vida, ritmo y humor visita Madrid con un espectáculo que representa un viaje en busca de la Navidad. Valores en los que todos nos apoyamos como el amor, la valentía, la empatía, la amistad, la lealtad o la tenacidad estarán muy presentes en ese mundo mágico cuyos personajes nos harán soñar, sentirnos niños otra vez y ver que es posible un mundo mejor.

 
 

 

 
  
 
  

  
  




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NO HAY CAMAS LIBRES 

Dirección Carlos Zabala

“NO HAY CAMAS LIBRES” es una comedia sobre la crisis. La crisis económica, de valores y de derechos. Concretamente aborda uno de los temas más acuciantes de nuestro tiempo, un drama que millones de españoles viven en carne propia. En carne viva. Los desahucios. Se puede tratar este espinoso tema desde el dolor, la rabia, o la desesperanza. Pero creo que nuestros sufridos compatriotas no están hoy en día para tragedias maravillosas, ni creo que experimenten trance estético alguno si les ponemos enfrente un simple espejo que les devuelva fielmente la cara de su dura realidad. Los desfavorecidos de este país, si consiguen arañar unos euros para acudir al teatro (cosa que dudo puedan hacer), sospecho que preferirán ver una buena aventura o un vistoso musical que los distraiga un poco del día a día. O tal vez una Comedia que “cocine” un poco la desgracia y no se la sirva cruda, multiplicando de esta forma por dos sus sinsabores. “NO HAY CAMAS LIBRES” solo pretende reflexionar un poco, denunciar bastante, y hacernos reír mucho de nosotros mismos, así como de la panda de cabrones que nos hace llorar todos los días. Carlos Zabala.


 

 
  
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Inconsolable 

Javier Gomá

Dirección; Ernesto Caballero CDN

Un hombre de cincuenta años comparece en escena y sin más preámbulos inicia una exposición íntima, lúcida y conmovedora. Explica que la muerte de su padre, todavía reciente, ha atravesado su vida como un acontecimiento. Asombrado ante la magnitud del suceso, que él no había podido ni imaginar, desea compartir públicamente el itinerario de sus primeros cuarenta días de duelo. Escogidas anécdotas de su vida familiar ilustran cada una de las fases del itinerario, sus vueltas y retrocesos inevitables. Huyendo de lo que llama literatura maleducada, una plaga que nos contamina, según él, prefiere un estilo más civilizado, que combina la inteligencia con la amenidad y no desdeña el sentido del humor. Todo parece bajo su control cuando, de pronto, sin apenas advertirlo, el monólogo se desliza hacia un terreno distinto, porque, a consecuencia de determinadas revelaciones, la situación obliga al protagonista a experimentar en toda su desnudez y crudeza el sentimiento de lo absolutamente inconsolable por la pérdida, aquello que no tiene ni quiere tener consuelo. La negrura, la tragedia, se apoderan de la escena en un movimiento de creciente desesperación y vértigo hasta que, súbitamente, tiene lugar una aparición misteriosa, difícil de definir, que precipita el desenlace. El protagonista, al final de un rodeo existencial, una aventura del pensamiento y las emociones, consigue reconciliarse consigo mismo y con la vida. Aunque titulado Inconsolable, el monólogo acaba infundiendo consuelo al espectador porque, en una operación de alquimia dramática, convierte la aflicción del duelo en una invitación a una vida digna y bella. Escrita con mundanidad y gravedad a partes iguales, la obra verbaliza con precisión filosófica las profundidades insondables de una experiencia tan personalísima como universal, pues todos somos hijos, llamados a ser huérfanos y a dejar huérfanos.

Javier Gomá 

 
 

  
    


Prensa:
ABC:  y la iluminación de Ion Anibal, propiciadora de un juego de luces y sombras capaz de materializar la estatura mítica del recuerdo del padre, redondean un espectáculo coronado por la interpretación superlativa de Cayo, que hace natural la elocuencia, transita magistralmente de la distancia a la proximidad y transmite cada uno de los múltiples matices de este gran texto.

El Español: y de forma metafórica a través de la acertada iluminación de Ion Aníbal, son los más conseguidos de todo el espectáculo,

El Pais: y la luz funcionan de perlas, uno acaba preguntándose si la teatralidad evidente de todo ello no le quita foco y poso íntimo a la inspirada palabra desnuda de Gomá.

La Razón: y el dinamismo que aporta Ion Anibal con su juguetona iluminación sirven de guinda a este delicioso pastel teatral que combina muy bien los sabores del arte y la reflexión.

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Cartas de Amor 

REPARTO

JULIA GUTIÉRREZ CABA Y MIGUEL RELLÁN          

VERSIÓN Y DIRECCIÓN

DAVID SERRANO

Sobre Cartas de amor

Haber conocido a Miguel Rellán es una de las cosas más hermosas que me han sucedido en la vida y con esta obra por fin he conseguido cumplir uno de mis sueños profesionales: dirigir a Miguel en una función. Pero, puestos a soñar, ¿por qué no intentar que se nos uniera una de las mejores actrices de la historia de nuestro país? Así que le mandamos la función a Julia Gutiérrez Caba y, como a veces la vida te sonríe, nos dijo que sí. Ensayar con ella, conocerla y poder escuchar cómo lee estas cartas con esa voz mágica e irrepetible es algo que nunca podré olvidar. Algún día les podré decir a mis nietos que tuve la inmensa fortuna de trabajar con una de las actrices españolas más grandes de todos los tiempos.

David Serrano.

      
Prensa:
Culturamas:A su vez, Ion Aníbal López diseñó una iluminación que ambienta de tal manera que podemos percibir lo que no existe: un extraño jardín habitado por ciudades, exóticos parajes y habitaciones donde suceden agonías y a veces llega la felicidad, siempre sin que los actores se despeguen de sus asientos: vestuario, luz, y dirección susurrada por David Serrano, vivamente emocionado ante esta oportunidad de representar una historia de amor desde el propio amor. La palabra tan manoseada desde los spots publicitarios a los mil y un reclamos consumistas, hace aquí un acto de presencia humilde y sutil, para dar cuenta de un recorrido vital que nos deja con una sonrisa placentera y un nudo en la garganta.

Ociocritico: además de los dos sillones y sus correspondientes escritorios donde permanecen sentados los dos personajes a lo largo de la función, ha rodeado a estos de numerosas puntos de luz al fondo del escenario, que van apagándose poco a poco a medida que van avanzando los años y la fuerza de la vida va perdiendo su empuje, su fuelle. Esa luz, y la más intensa que enmarca a Andrew y Melissa, ha sido diseñada por Ion Anibal Lopez  de forma impecable y emocionante.

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Tierra de Fuego.

• Producciones Teatrales Contemporáneas
• Reparto: Alicia Borrachero, Tristán Ulloa, Abdelatif Hwidar, Juan Calot, Malena Gutiérrez, Hamid Krim
• Autor: Mario Diament Versión española : David Serrano
• Dirección : Claudio Tolcachir

Inspirada en un hecho real, "Tierra del Fuego" cuenta la historia de una ex azafata israelí, víctima de un atentado en el que resultó herida y su mejor amiga muerta. Veintidós años después decide visitar y encontrase con el terrorista autor del atentado, quien está detenido en una prisión de Londres, condenado a cadena perpetua.El relato se propone reflexionar sobre la necesidad de escuchar la historia del otro, del enemigo, como condición necesaria para iniciar un diálogo. Y comenzar a esbozar la paz y la convivencia pacífica como posibilidad. Una propuesta para reflexionar sobre las causas y consecuencias de la violencia política militar, en una de las zonas más calientes del planeta. Y sobre el lugar del diálogo y la palabra como medio para la convivencia pacífica y la justicia.

Una historia relevante para nuestro tiempo cuyo significado excede el limitado contorno del conflicto del Medio Oriente.

    

 

  
Prensa:

 El Teatrero: Tolcachir se sirve de un maravilloso diseño de luces creado por Ion Aníbal López y Juan Gómez Cornejo y de la magnífica escenografía de Elisa Sánz. 

 

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Invencible De Torben Betts

La crítica ha calificado esta obra del dramaturgo inglés Torben Betts como una de las sátiras sociales más corrosivas del teatro reciente. Jordi Galcerán la ha trasladado, en su versión, a la realidad española.
Lo que al principio parece una declaración de buenas intenciones acaba convirtiéndose en una pesadilla para las dos partes, causando un daño irreparable en la pareja más débil.Una pareja con un estatus social y cultural elevado se ve obligada, por la crisis económica, a trasladarse a un barrio más humilde de la periferia. Deciden entonces relacionarse con sus vecinos para adaptarse a su nuevo entorno.

   

 
Prensa:
El teatrero:  y en el acertado diseño de luces de Juan Gómez Cornejo e Ion Aníbal. 

Ocio Critico: y una iluminación precisa que firman al alimón dos grandes del oficio: Juan Gómez Cornejo y Ion Aníbal. En conjunto, todo contribuye a pasar un buen rato, en una comedia amable y divertida

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BAJO TERAPIA de Matías del Federico Dirección: Daniel Veronese

Tres parejas son invitadas a participar de un aparentemente sano esparcimiento terapéutico; un movimiento apenas perceptible de la cotidianeidad. Esta maquinaria dará rienda suelta a confesiones, reclamos, verdades y mentiras, difícil de detener. A lo largo de una sesión muy particular, en un espacio concebido especialmente para esta tarea, los seis jugadores se sentirán impulsados a desplegar movimientos, a actuar su juego oculto. Una forma radical para poder expresar lo velado; romper orden, códigos y apareamientos que venían funcionando hasta hoy. Y así poder respirar.
La psicóloga dejó sobres con consignas que las parejas tendrán que abordar y analizar entre todos. Cada sobre que se abre propone nuevos e ingeniosos interrogantes transformando la sesión en un caos desopilante.


  

 


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Jardiel, un escritor de ida y vuelta 
A partir de la obra de Enrique Jardiel Poncela

Un marido de ida y vuelta fue escrita por Enrique Jardiel Poncela durante el verano de 1939. En ella, Pepe, marido de Leticia, fallece repentinamente durante la preparación de una fiesta de disfraces, no sin antes hacerle prometer al apuesto Paco Yepes que no se casará con la viuda. Paco no cumple su promesa. Dos años después de la muerte de Pepe, durante los tres primeros meses del segundo matrimonio de Leticia, comienzan a producirse sucesos extraños en la casa: la luz se enciende y se apaga, el piano toca solo y un libro de sonetos de Shakespeare cambia de lugar continuamente. El fantasma de Pepe, disfrazado de torero, comienza a hacerse visible para pedir cuentas a la familia sobre la promesa incumplida. ¿Recuperará Pepe el amor eterno de Leticia? 
Así comienza la trama de esta farsa en tres actos que el propio Jardiel definía como hija del Humorismo y de la Poesía. Jardiel, un escritor de ida y vuelta revisita la inolvidable comedia del gran renovador del teatro cómico en España con una nueva propuesta en la que la semblanza y vida del propio autor se entrelaza, casi a modo de contrafigura, con las andanzas, obsesiones, manías y querencias de Pepe, Paco y Leticia. Este montaje, de inspiración marcadamente pirandeliana, subraya el marcado contraste entre la pura comicidad de la dramaturgia de Jardiel frente al retrato de sus propios conflictos vitales –el contexto histórico de la España que le tocó vivir, su difícil relación con las mujeres (en cualquiera de sus estados y realidades) o los continuos enfrentamientos con buena parte de la crítica y el público de su época-. Un homenaje, casi un manifiesto a favor de este creador visionario que debiera ocupar un justo lugar entre los más grandes dramaturgos del siglo XX.


 


 



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  Vida de Galileo 
Bertolt Brecht, Director Ernesto Caballero. Iluminación Ion Anibal Lopez Centro Dramatico Nacional

GALILEO:
Durante dos mil años la Humanidad creyó que el Sol y todos los astros del cielo daban vueltas a su alrededor. El Papa, los cardenales, los príncipes, los sabios, capitanes, mercaderes, pescaderas y escolares creían estar inmóviles en esa esfera de cristal. Pero ahora nosotros salimos para hacer un gran viaje. Porque los viejos tiempos han pasado y ahora es una nueva época. Desde hace cien años es como si la Humanidad esperase algo. Las ciudades son pequeñas, y también lo son las cabezas. Superstición y peste. Pero ahora se dice: que sean así las cosas no quiere decir que tengan que seguir siéndolo.Porque todo se mueve, amigo.
          




      





 












    
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VACA ZUKDANCE 

Directora Itxaso A. Cano y Noelia Tejerina


Algunas veces tenemos la necesidad de huir, sin  decir adiors Tenemos que intentar volar al paraiso de la nostalgia del amor, de la compresión, y olvidar la tristeza la penas, sin ver que todo lo que buscas lo tienes a tu lado, una amiga, cariño, amistad, compresion, amor, una hermana.


VACA responde a una iniciativa profesional y personal de Itsaso A. Cano. Tras el suicidio inesperado de su hermano, llega a la conclusión de que la muerte sigue siendo un tabú en muchos sectores de la sociedad occidental, provocando actitudes de rechazo y negación. El proyecto nace de la expresión artística como catarsis del duelo, de modo que el arte no es el fin, sino la consecuencia. VACA pone de manifiesto aquellas emociones que no pueden ser expresadas con palabras. La composición musical ha sido creada exclusivamente para la obra por Sofía Comas y Guillermo Medín. La letra de las canciones es interpretada en inglés y en euskera por la cálida voz de Sofía, acompañada por la música de un piano en escena y bases de música electrónica.


 
 
   

   
 
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El laberinto Magico. de Max Aub.Director: Ernesto Caballero. iluminación: Ion Anibal Lopez. Centro Dramatico Nacional


~Si hay alguien que merece ser considerado español, ese es Max Aub. Fue español por voluntad propia, por una decisión constante mantenida en las circunstancias más adversas. Nacido en París en 1903, de padre alemán y madre francesa, Max Aub llega a España en 1914 y sale de ella en 1939 para un exilio que duraría el resto de su vida. Viajó a España en dos ocasiones en los años sesenta, pero nunca volvió a vivir en la que consideraba su patria. Pero, como él afirmaba, «se es de donde se ha hecho el Bachillerato».

Toda la experiencia vivida por Max Aub en los años centrales de su vida, los de la Guerra Civil española, los trasladó al inmenso corpus narrativo al que llamó El laberinto mágico. Lo componen seis novelas, Campo cerrado, Campo de sangre, Campo abierto, Campo del moro, Campo francés y Campo de los almendros, y un gran número de cuentos. El conjunto, que sobrepasa la mera crónica histórica para convertirse en un emocionante documento sobre la condición humana, es uno de los ciclos narrativos más importantes del siglo XX y sin duda el mejor de los dedicados a la Guerra Civil.

REPARTO (por orden alfabético)

 

Chema Adeva, Javier Carramiñana, Paco Celdrán, Bruno Ciordia, Ione Irazabal, Jorge Kent, Borja Luna, Paco Ochoa, Paloma de Pablo, Marisol Rolandi, Macarena Sanz, Alfonso Torregrosa, Mikele Urroz Zabalza, María José del Valle, Pepa Zaragoza

Paco Casas, Javier Coble (Músicos)

EQUIPO
ARTÍSTICO

José Ramón Fernández (Versión), Ernesto Caballero (Dirección), Mónica Boromello (Escenografía y vestuario), Ion Anibal (Iluminación), Javier Coble (Música y espacio sonoro)

Producción Centro Dramático Nacional

Un proyecto de investigación del Laboratorio Rivas Cherif

 


                      

     
       

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La Ola de Ron Jones, adaptación de Ignacio Garcia May. Director: Marc Montserrat. Iluminacion Albert Faura y Ion Anibal.




California, en los años sesenta. La guerra del Vietnam, la música rock y las marchas antirracistas del doctor Luther King están en todas las conversaciones. Ron Jones, joven y carismático profesor de un instituto, intenta enseñar a sus alumnos de historia cómo pudo forjarse la sociedad que dio pie, en la Alemania de los años treinta y cuarenta, al nazismo y a los campos de concentración. Para ello pone en marcha un experimento: durante varias semanas los muchachos de la clase deberán seguir unas reglas estrictas que les permitirán experimentar, desde dentro, y en primera persona, lo fácil que es convertirse en parte de un aparato totalitario. Los chicos aceptan, primero a regañadientes, y luego con progresivo entusiasmo, hasta el punto de que el pequeño experimento amenaza con írsele a Jones de las manos…


        




       



                                                              



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 Lo Que Vio El Mayordomo de Joe Orton. Director: Joe O´Curneen Producción: Tomas Gayo Producciones S.L    

   Primera hora de la mañana, en su despacho de una clínica mental el doctor Prentice realiza una entrevista de trabajo a Geraldine, joven candidata a secretaria. En seguida vemos que el prestigioso psiquiátrica se interesa por algo más que por las capacidades laborales de la encantadora muchacha a la que pretende someter a unas extravagantes pruebas físicas. Cuando ya ha iniciado el disparatado test entra súbitamente en la consulta la señora Prentice que viene de pasar un fin de semana con un colectivo de lesbianas.

Este es el inicio de Lo que vio el mayordomo, en él ya encontramos el tono de lo que iremos presenciando durante dos horas. A partir aquí, en un único espacio y a lo largo de un solo día, seis personajes: El doctor, su voluptuosa esposa, la ingenua candidata a secretaria, el crápula botones de hotel, el irracional inspector de salud mental y el inepto policía nos conducirán por una escalada de absurdas situaciones, no exentas de crítica social, motivadas por el infalible recurso cómico del quid pro quo. Al final de la obra seremos conscientes de haber presenciado una autentica y enloquecida ceremonia de la confusión.

Lo que vio el mayordomo es, ciertamente, la más ortonesca de todas las comedias que escribió el malogrado dramaturgo Joe Orton.


   

                                                          
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    -Yo soy Don Quijote de la Mancha. Director Luis Bermejo.             

EN esta época de desencanto, desmoronamiento social, de pérdida de valores morales,injusticias,descreimiento,depresión, recesión, de perplejidad ciudadana… en esta época, digo, hay que llamar a nuestrohéroe para que nos devuelta la honra y nos ayude adesenmascarar a los mercaderes de sueños que nosoprimen con sus deseos de codicia.Y tenemos un héroe que subyace en cada uno denosotros, como una filigrana intima: El Quijote.Yo soy Don Quijote de la Manchaes una nueva
aventura de Don Quijote, Sancho Panza y Sanchica,escrito por un genio de nuestros días e interpretadopor “la flor y nata de la andante comiquería”.Necesitamos creer que es posible recuperar lahonra, así que nuestro héroe nos propone este nuevo
viaje, esta nueva aventura y nosotros vamos a habi-tarla con la intención de extraer de su interior el temaque nos emociona, que nos obsesiona: el deseo debondad, de justicia, de solidaridad, para elevar el amorpor encima de los hombres.
Proponemos un juego metateatral como meca-nismo dramático. Tenemos así un asidero para entraren la realidad y la ficción y salir de ellas. Queremos queel espectador asista no solo a los incidentes de nuestranarración, sino a su propia elaboración.El teatro por su enorme potenciafísica necesita de inmensas pasiones ytoda la oficina artística y técnica de este
proyecto la tienen.Quiero añadir además que DonQuijote es José Sacristán que habladesde el nivel exacto del hombre.
Vengan con nosotros y hagan unpoco de silencio para ver que estavoz esta afinada en el justo tono delhombre.Luis Bermejo
PORQUEnecesitamos creer: que hay locos capacesde soñar que pueden ayudar a los otros y queeso vale la pena; que hay cuerdos tan limpios que son capaces de ayudar a esos locos y de acabar soñandocomo ellos. Pensar desde La Mancha —este proyectonace en los pensamientos de la directora del Festivalde Almagro— esta aventura universal que estremece
a personas de cualquier lugar del mundo. Seguir al alu-cinado Alonso Quijano en su mirada a un mundo que
en su cabeza se ordena con palabras viejas y hermo-sas como lealtad, justicia y amor verdadero.Don Quijote es una parte de todos noso tros. Es un miembro de nuestra familia al que recordamos, alque tenemos presente, al que todos miran con piedady tratan con una especie de dulce cariño. Forma partede lo mejor de nosotros, de nuestra parte buena. José
Sacristán tiene también un huequito en nuestra me-moria sentimental, en nuestros recuerdos, desde al-gunos más lejanos hasta algunos muy, muy recientes.Nos pide que le ayudemos a buscar la bondad. Que leayudemos a ser Don Quijote.
Pretendo que Yo soy Don Quijote de La Mancha respire y recuerde ese Don Quijote que forma parte de nuestra memoria y de nuestros deseos. Por eso norme alejo de la historia, por eso voy a utilizar miles de palabras de este libro y voy a tratar de que las mías sirvan para unir esos recuerdos que nos unen a todos. Así, nuestro proyecto es volver a mostrar ese perso-naje en su esencia, en sus momentos más significati-vos. Para ello, para poder llegar a decir “Yo sé quién soy”, Don Quijote tendrá la compañía de Sancho y de su hija Sanchica: dos personas sin maldad, capaces de ver en Don Quijote al loco y al hombre bueno, capa-ces de entender que el mundo necesita a Don Qui-jote. Sin duda:
necesitamos a Don Quijote.

  

 


 






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you tuve

 

  - Y MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES. Director: Juan López-Tagle 

                     Producción: Conecta con Shakespeare.


No supiréis, niños y niñas....¿por qué sufrir? sed alegres, felices y disfrutar de la vida. ¡exhalad vuestras penas cantando: "Ay nana, Ay nana"!
Si hay algo que descubrimos en mucho ruido y pocas nueces con relativa facilidad es que los hombres y las mujeres seguimos haciendo las mismas tonterías cuando nos enamoramos que hace 400 años. Por tanto no tenemos otra opción (y tampoco queremos otra, la verdad), que dar todo el protagonismo de esta función ese tipo.... William Shakespeare.


    
                         

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you tuve. video.



      - LA FAMILIA DE PASCUAL DUARTE. Director: Gerardo Malla.Producción: Tomas Gallo  producciones S.L.

Pascual Duarte, campesino extremeño hijo de un alcohólico, nos cuenta su vida mientras espera su propia ejecución en la celda de los condenados a muerte. Víctima de una inexorable fatalidad, Pascual Duarte es un ser primitivo y elemental dominado por la violencia, única respuesta que conoce a la traición y al engaño. Pero esa siniestra apariencia no es más que la máscara que oculta su incapacidad para luchar con la maldad de los demás y la desvalida impotencia que alberga en el fondo de su alma.Nuestro protagonista es oriundo de Torremejía (Extremadura) y su vida se desarrolla entre 1882 y 1937, años en los que la realidad socio-política española estaba marcada por un clima de profunda inestabilidad. Es una de las épocas más agitadas dentro de la historia de España con bruscos cambios de gobierno y de Constitución siendo éstas más teóricas que fácticas.

     
    



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- RUMORES. Director: Pedro Garcia de las Heras. Producción:Descalzos producciones S.L . Año 2011.

    
De repente un disparo. Esto es lo que escuchan los invitados a las puertas de la mansión a la que han sido convidados para festejar el aniversario de boda de sus inquilinos. Y como consecuencia, el caos. La primera pareja en llegar a la fiesta se encuentra al anfitrión con la huella de una bala marcada en su oreja, sin la mujer de éste, sin servicio doméstico y en mitad de una serie de equívocos, malentendidos, tapaderas y enredos que buscan la manera de que el protagonista ‘tiroteado’ no se vea salpicado por el suceso. Él es el teniente de alcalde de Nueva York y, por su estatus, hay cosas que es mejor que no salgan a la luz pública.



 



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-   4.48 PHICOSIS. Director: Carlos Aladro. Producción: Teatro en Tránsito. Año 2010.




Una obra de Sarah Kane, Un monólogo que dialoga a solas con el espectador y cuyo verdadero escenario es la propia conciencia del público: un espacio psíquico donde no existe maquillaje y apenas elmentos de atrezzo podemos ver escenificado lo que no nos atrevemos a pensar, a sentir, a ver de nosotros mismos....

    

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- Ni fú, ni fá, Director: Enrique Viena. Producción: Teatro Arriaga ABAO OLBE. Año 2010.


Una opera para niños y adultos en el que se aprende divertiendos los compositores y la musica.

     

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       you tuve video.
- Madre Coraje y su hijos. Director: Gerardo Vera. CDN Centro Dramatico Nacional 2010.
PREMIO ADE  ILUMINACIÓN 2010
compartido con Juan Gomez Cornejo Ion Anibal

Como telón de fondo la guerra europea de los Treinta Años, una guerra de religión, militar, política y sobre todo económica, que supuso una devastación de territorios enteros con los ejércitos de uno otro bando esquilmando los suministros. Una guerra que produjo hambrunas y epidemias que diezmaron a la población civil. Otro factor de esta contienda fue que abundaron los mercenarios, es decir, donde hubo personas que hicieron de las guerra su lucro. No resultaron ser lo únicos.Toda guerra es perversa, devastadora, feroz y sobre todo sucia. Sin embargo hay quien obtiene beneficio económico con ella: militares que medran, soldados que toman por la fuerza y comerciantes que trafican con los víveres. La guerra saca lo peor de nosotros, pero es su valor mercantilista el que inquieta, el que desprestigia a la raza humana. Ahí es donde Brecht coloca su obra, para hacernos pensar en quién se beneficia con la guerra y qué precio pagamos los demás por ello. Sin duda la obra habla de los males que las contiendas producen, de su violencia, pero también se trata de una metáfora del capitalismo salvaje que hoy en día sigue propugnando tanto liberal.

        


 
   

     
  


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       -   Axuri beltza. Director: Juan Antonio Urbeltz Produccion:Año 2009.




     
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